Gianni D'Errico   - Meteora della scena italiana dei Settanta, Gianni D'Errico merita senz'altro un posto tra le voci più interessanti del pop-rock italiano. Originario di Brindisi, dove nacque nel 1948, il cantante partecipa al Cantagiro del 1970 ("Mi stracci il cuore, mi stracci l'anima") senza ottenere riconoscimenti, ma intanto incide ben tre 45 giri, come "L'ultima esperienza" (1973), dove si precisa uno stile a base di coretti femminili, flauto e chitarre rock intorno al motivo melodico. Finalmente la Ariston gli consente di realizzare l'album "Antico teatro da camera" (), prodotto da Maurizio Vandelli e pubblicato nel 1976 in tiratura limitata, quando però il musicista era già scomparso in un incidente d'auto (Settembre 1975). Sia pure sempre in bilico tra canzone melodica e contenuti più ambiziosi, i dieci pezzi del disco mostrano la personalità di un autore che deve molto a Lucio Battisti, ma dimostra al contempo di aver elaborato un suo mondo espressivo di tutto rispetto: importanti in questo senso sono i testi, scritti dal fedele paroliere Angelo De Luca con altri autori, che sviluppano temi introspettivi e originali, tra il disagio sessuale, il rapporto con la religione e un'identità contrastata, ben legati alle trame sonore firmate dal cantante. I due frammenti strumentali in apertura e chiusura ("L'etrusca", parte prima e seconda), fanno da cornice a suggestioni diverse, che richiedono qualche tempo per venire assimilate. Se "Toccami" è forse l'episodio più in linea con il tipico pop melodico dell'epoca, col felice refrain vocale sorretto dagli archi, ci sono brani intriganti fin dal titolo, che richiamano esperienze coeve del rock e della canzone d'autore più innovativa. La title-track è un umbratile ritratto di adolescente tra pulsioni segrete e solitudine, sorretto dalle tastiere e dalla chitarra in uno spartito dinamico, mentre "Clausura" è forse una delle composizioni-chiave della sequenza: il testo affronta le ambiguità della vocazione religiosa, con la voce di D'Errico filtrata ad arte e un flauto meditativo che interviene nel gioco vivace di tastiere e chitarre. Bello. "Reincarnazione" affronta un tema molto sentito dal musicista e ricorrente nel disco, la metempsicosi, e si distingue per le raffinate tastiere in stile barocco, oltre che per la cangiante interpretazione vocale. Affiorano qui le influenze del nume-Battisti (si ascolti anche "Il pittore"), ancora più evidenti in un pezzo come "Io, l'ultimo", comunque efficace grazie al canto malinconico articolato sul tappeto di pianoforte e organo, insieme al coro femminile. Tra i momenti più intensi c'è quindi "Delvish", con la voce evocativa che recita liriche particolarmente oscure, e una scrittura strumentale divisa tra pieni e vuoti, ma non meno fascinosa è "Sognando Rosanna", tra immagini legate a un vissuto conflittuale e uno schema rock frastagliato, con spirali di moog che ricordano la PFM degli inizi, e il falsetto nelle improvvise spezzature. Insomma, D'Errico aveva talento e "Antico teatro da camera" resta il testamento di un artista scomparso troppo presto, che è giusto ricordare e ascoltare oggi come merita. La ristampa in CD della Sony/BMG è datata 2011.									"Antico teatro da camera"
Dalton   - Da non confondere con un altro gruppo omonimo, di Brescia, nel quale militò per qualche tempo anche Mauro Pagani prima di approdare alla P.F.M., i Dalton, formazione invece di origine bergamasca, si stabilizzano a quintetto sotto la guida di Temistocle Reduzzi (tastiere/voce) e realizzano quindi il primo album di matrice progressiva: "Riflessioni: Idea d'infinito" (1973). La musica del gruppo lombardo, estremamente romantica e mai troppo complessa, si sviluppa in sei tracce con spazi strumentali dominati dal flauto brioso di Alex Chiesa, già nell'incipit di "Idea d'infinito", e in particolare nella malinconica "Stagione che muore", ma con una buona presenza della chitarra solista di Aronne Cereda: è il caso dello strumentale "Riflessioni", tra gli inserti del synth di Reduzzi. Si tratta perlopiù di un pop morbido e melodico, con vivaci guizzi rock, e caratterizzato spesso da liriche interessanti: si segnalano, in questo senso, "Un bambino, un uomo, un vecchio" e quindi, soprattutto, la bella "Dimensione lavoro", un episodio più aggressivo quasi in stile hard rock, e decisamente molto critico verso il falso mito del lavoro. Non manca neppure una parentesi melodica più tradizionale, come la mediocre "Cara Emily", ma i Dalton, nel complesso, sanno farsi apprezzare in un album che resta anche tra i più brevi del tempo, con una durata inferiore ai trenta minuti. Nello stesso anno la band si afferma al Festival Pop di Zurigo, ma dopo il singolo "La donna e il bambino"/"Il vuoto" (1974) Reduzzi e Chiesa escono dal gruppo, ed entra in organico il tastierista Giancarlo Brambilla, che in precedenza aveva suonato, con Cereda e il bassista Rino Limonta, nel gruppo dei Puritani. Con questa nuova formazione viene realizzata la seconda prova discografica dei Dalton: "Argitari"(1975). E' una sequenza deludente di nove tracce in uno stile pop-cantautorale ("L'impossibile è possibile"), liriche modeste ("Ho ritrovato la mia donna" o "La forza di Dio"), una cover da Dylan ("La risposta", cioè "Blowin in the Wind") e sporadiche fiammate rock ("Visione di una notte d'estate"), con la voce di Cereda sempre in primo piano insieme alle tastiere, ma nelle ristampe ci sono parti di flauto sovraincise rispetto all'originale. Seguono quindi un paio di singoli tra il 1977 e il 1979 ("Monia" e "Presto tornerò"), che preludono allo scioglimento della band. Va pure ricordato che Reduzzi e Cereda hanno concepito una pop-opera intitolata "Paciana Story" (1975), mentre il batterista Walter Locatelli ha formato il gruppo Mo.Do. più avanti. Sembra finita, ma nel 2018 Cereda ha riunito alcuni dei membri storici per registrare un nuovo album come "Eden", pubblicato nel 2019 da AMS. Oltre alle ristampe in CD con bonus-tracks, vanno segnalate quelle in vinile a cura di Vinyl Magic e BTF.									"Riflessioni: idea d'infinito"
Dark   - Il nome dei Dark, band formata a Northampton nel 1968, rappresenta molto bene tutto il sottobosco dell'underground inglese dei primi anni Settanta. Il loro unico album realizzato è "Round the Edges", autoprodotto e pubblicato nel 1972 in poche decine di copie. Diventato anche per questo, nel tempo, una sorta di oggetto misterioso per i collezionisti, è semplicemente un discreto esempio di prog chitarristico, asciutto ed essenziale nelle sue geometrie compositive che fanno a meno delle tastiere. Il gruppo nasce in effetti come trio, ma dopo un paio di sedute insoddisfacenti nell'arco di circa due anni, al momento dell'incisione il chitarrista e cantante Steve Giles viene affiancato da un secondo chitarrista come Martin Weaver, oltre al bassista Ron Johnson e al batterista Clive Thorneycroft. La chitarra solista, in buona combinazione con la seconda, domina incontrastata per tutti i sei episodi che compongono l'album, definendo uno stile prog dalle marcate sfumature psichedeliche, mai troppo sopra le righe, e una buona verve di fondo, pur senza mai toccare i vertici di eccellenza di altri protagonisti della scena britannica del tempo. Lo schema di base è già ben delineato nel brano di apertura, "Darkside", dove il chitarrismo di Giles trova efficace sponda nel basso, e si dirama in una serie di variazioni all'insegna di un moderato crescendo con brevi parti vocali dello stesso Giles: è senza dubbio uno dei picchi della sequenza. Bella anche la tensione ritmica di "R. C. 8.", episodio più serrato degli altri, grazie alla buona vena del duo ritmico nelle frequenti spezzature e riprese del tema, così come accade nella finale "Zero Time", aperta da cupe distorsioni e segnata poi da impetuosi scrosci di chitarra, con basso e batteria molto efficaci nello schema. Più scorrevole sulla chitarra ritmica di Weaver è invece lo sviluppo di "Maypole", inquadrata dalle potenti linee del basso, come pure "Live For Today", con effetti anche ridondanti: tutti episodi sempre caratterizzati dalla voce interessante di Giles, ora indolente e ora più aspra, che connota l'intera sequenza. Scomparsi dalle cronache intorno al 1977, anche per l'assenza di una promozione adeguata, i Dark vanno comunque ricordati per l'onesta fattura di una proposta forse non travolgente, ma sempre interessante e di buona caratura tecnica. Nel tempo sono usciti alcuni dischi con materiale d'archivio: da "The Jam 1975" (1990) a "Teenage Angst" (1994). Il disco del '72 è stato ristampato sia in vinile (Akarma) che in CD (Progressive Line e altri), con varie bonus tracks.									"Round the Edges"
De De Lind   - Questo gruppo dell'area di Varese, poi trasferito a Milano, prende il suo nome da una famosa modella americana (all'anagrafe Diane Lind) che fu playmate nell'Agosto 1967 della nota rivista "Playboy", e si forma proprio sul finire degli anni Sessanta. Con ben tre 45 giri realizzati tra il 1969 e il 1971, in particolare "Signore, dove va?", che già stabilizza uno stile romantico caratterizzato dal flauto alla Jan Anderson, la band si fa notare rapidamente nell'affollata scena rock dell'epoca e suona in diversi festival: ad esempio il Davoli Pop di Reggio Emilia nel 1972. Realizza quindi per l'etichetta Mercury il suo unico album, rimasto celebre anche per il lunghissimo titolo: "Io non so da dove vengo e non so dove mai andrò. Uomo è il nome che mi han dato" (1973), costituisce in realtà il testo integrale dell'ultimo pezzo della raccolta ("E poi"). La musica offerta nelle sette tracce del disco dal quintetto lombardo (voce/chitarra, fiati/tastiere, chitarra, basso e batteria) è dominata dalle chitarre acustiche insieme al flauto molto versatile di Gilberto Trama, prima ancora che dalle tastiere, sempre in secondo piano negli equilibri strumentali. A parte qualche episodio più ritmico e roccheggiante, come l'iniziale "Fuga e morte", che vive di pause e riprese, l'album è piuttosto discontinuo nel suo sviluppo, ma i momenti d'interesse, comunque, non mancano affatto: atmosfere sospese e rarefatte, di buona suggestione romantica, si alternano a improvvisi sussulti in chiave dark rock guidati dall'aggressiva chitarra elettrica di Matteo Vitolli. C'è spesso un'aria incombente e visionaria, come in certe introduzioni misteriose dove si segnala l'uso dei timpani da parte del batterista Ricky Rebajoli, in precedenza nei New Dada e poi con i Nuovi Angeli. Molto rappresentativo del suono-De De Lind è un brano come "Smarrimento", con il flauto costantemente in primo piano, supportato da vibranti incursioni chitarristiche che poi chiudono il pezzo dopo il delicato inserto vocale e inserti di corno. Di grande effetto, in generale, sono proprio i testi cupamente trasognati che colorano di riflessi umbratili anche la parte musicale: è soprattutto il caso di "Paura del niente" e poi di "Cimitero di guerra", firmati come gli altri dal cantante Vito Paradiso. Il quintetto, con il nuovo batterista Fabio Rizzato, partecipa anche ad importanti eventi live dopo l'uscita dell'album, come la Prima Rassegna di Musica Popolare a Roma e il Be-In di Napoli, ma si scioglie lo stesso anno. Vito Paradiso diverrà cantautore senza troppa fortuna alla fine del decennio, realizzando alcuni singoli e due album: "Noi belli, noi brutti" (1978) e quindi "Per lasciare una traccia" nel 1980. Ristampe anche in vinile da BTF/Vinyl Magic e Mercury.									"Io non so da dove vengo..." "Smarrimento"
Dear Mr. Time   - Una band inglese senza fortuna le cui origini risalgono al 1969, quando la Shoo String Band, che suona musica soul, da Chelmsford si trasferisce a Londra. Dopo alcune esibizioni live nella capitale, il chitarrista Chris Baker e il batterista John Clements decidono però di formare un nuovo gruppo in stile progressive e si uniscono a Barry Everitt (voce e tastiere) e Dave Sewell (basso). Dopo lunghi tour in giro per l'Europa, i Dear Mr. Time reclutano quindi il fiatista Jim Sturgeon e ottengono un contratto con la Square Records per registrare il loro primo album, "Grandfather". Programmata per la fine del 1970, la pubblicazione avvenne solo nel Febbraio dell'anno successivo e a causa di una distribuzione quasi inesistente il disco passò del tutto inosservato: deluso dal responso, il gruppo si sciolse poco dopo. Si tratta comunque di un concept-album imperniato sulle tappe salienti nella vita di un uomo, dalla nascita alla morte, diviso in dodici capitoli quasi tutti di breve durata. L'equilibrio strumentale poggia soprattutto sui fiati di Sturgeon (flauto e sax), con la chitarra di Chris Baker in bella evidenza, e le tastiere leggermente più defilate. Il momento più felice è forse "Out of Time", una sincopata rock-song di buona presa, scandita dal piano e dalla pungente chitarra solista, con la voce filtrata di Everitt e il basso pulsante. Di buon livello anche "Light Up A Light", costruita sull'organo, ma con frequenti breaks ritmici guidati dal sax, e la più nervosa "Make Your Peace", l'unico brano a superare i cinque minuti, con il flauto e il sax di Sturgeon in primo piano insieme al vivace lavoro della sezione ritmica. Più o meno nella stessa scia, ma ancora più grintosa è "A Dawning Moonshine", con timidi inserti dell'organo all'interno d'uno schema piuttosto aggressivo, dominato da sax e chitarra. Tra gli altri episodi si segnala l'atmosfera cameristica dello strumentale "Prelude", con gli archi e il mellotron a dominare un disegno sonoro che ricorda da vicino certe cose dei Moody Blues, mentre non mancano un paio di ballate costruite sulla chitarra acustica e le voci corali: ad esempio "Years And Fortunes" o anche "A Prayer For Her", quasi in stile "country". Le voci sono di buon livello e gli strumentisti mostrano discrete qualità, anche se nel complesso all'unico album firmato Dear Mr. Time manca la soluzione ad effetto capace d'imporli all'attenzione del pubblico: il loro prog dalle tinte romantiche, qua e là datato e in parte legato alla forma-canzone, rimane però apprezzabile e di piacevole ascolto. Varie le ristampe, anche in vinile. Notizie nel sito ufficiale.									"Grandfather"
Decameron   - Con una sigla che sembra rimandare all'opera di Giovanni Boccaccio, questo gruppo inglese fondato da Johnny Coppin a Cheltenham nel 1968, ha realizzato quattro dischi di morbido e melodico progressive folk nel corso dei Settanta. Dopo i primi due album realizzati tra il 1973 e il '74 ("Say Hello To the Band" e "Mammoth Special") il momento migliore della band britannica coincide forse con l'uscita di "Third Light" (), pubblicato nel 1975, che per qualche tempo procura ai sei musicisti una certa notorietà e buoni riconoscimenti. Si tratta in effetti di undici tracce ben costruite, caratterizzate da gradevoli armonie vocali, arrangiamenti sobri ma efficaci, con la netta prevalenza degli strumenti a corda sulle tastiere: dunque molta chitarra (acustica ed elettrica), ma anche violoncello, violino e mandolino. Si segnalano soprattutto la delicata "All the Best Wishes", la più umbratile "The Strawman", con gli archi in evidenza, e poi ancora il romantico crescendo della splendida "Wide As the Years", uno dei vertici dell'album. Il materiale è firmato per la gran parte in coppia da Coppin (chitarre e piano) e David Bell (chitarra e basso), evidentemente in stato di grazia, come dimostrano a sufficienza episodi davvero accattivanti quali "Journey's End" e soprattutto "The Ungodly", con le voci corali sullo sfondo dell'organo. La chiusura della sequenza è affidata invece a "Morning glory", una cover da Tim Buckley . L'anno seguente, con il nuovo batterista Bob Critchley, i Decameron realizzano quindi il loro ultimo disco, "Tomorrow's Pantomime" (1976), forse meno brillante del precedente, ma con altri pezzi di ottima fattura tutti da scoltare. L'iniziale "The Deal", col violino in evidenza, "Ask Me Tomorrow", e la stessa title-track, arricchita dal sax di Geoff March, sono i momenti di spicco dell'album, ma è interessante anche la più roccheggiante "So This is God's Country", con un testo molto polemico verso l'America al tempo di Nixon. Per quanto lontani dai fasti del rock inglese maggiore, i Decameron valgono senz'altro un ascolto per la piacevolezza del loro repertorio, ristampato da Strange Days ed Esoteric. Dopo lo scioglimento del gruppo, il più attivo rimane proprio Johnny Coppin, che realizza molti dischi da solista a partire da "Roll On Dreamer" (1978). Varie le ristampe in circolazione, come la compilation Castle che nel 1997 riunisce in CD unico il terzo e quarto disco della band.									"Third Light"
Dedalus   - Originari della provincia di Torino (Pinerolo), i Dedalus appartengono alla schiera dei gruppi penalizzati da un mercato che privilegia l'ovvio e le formule più sperimentate del grande circo rock. I quattro componenti (tastiere/violoncello elettrico, chitarra/sax, basso e batteria) suonano invece, sin dall'esordio omonimo (1973), un pulsante jazz elettrico, decisamente fuori dagli standards più abusati del genere. Si susseguono così ritmiche ondivaghe, attraversate da inserti di sax (Marco Di Castri) e peculiari effetti di sintetizzatore (Fiorenzo Bonansone), capaci di creare atmosfere a volte dilatate e distorte, comunque di grande effetto. L'esempio più significativo in tal senso è forse la lunga apertura di "Santiago", ma non è da meno un episodio come "Leda", sorta di affascinante deriva che scorre sotto la guida del sax, del piano elettrico e del basso pulsante di Furio Di Castri. Nella più breve "Conn" spicca il colore delle percussioni etniche combinate ai suoni sintetici, mentre una sezione ritmica sempre dinamica e aggressiva, garantita anche dalla batteria di Enrico Grosso, caratterizza la conclusiva "Brilla", oltre al pezzo più lungo dell'album, "CT 6". Qui salgono al proscenio, in rapida sequenza, prima la chitarra elettrica, quindi il sax tenore, e poi il pianoforte e il violoncello elettrico di Bonansone, insieme al synth. La musica dei Dedalus è aperta all'improvvisazione tipica del jazz, e giustamente ne tiene sempre vivo il valore di ricerca: il suono viene fuori umorale e imprevedibile, senza gli schemi preconcetti che hanno inficiato molte esperienze della scena italiana. Neppure il secondo disco, "Materiale per tre esecutori e nastro magnetico", realizzato l'anno seguente in trio senza Furio Di Castri, trova riscontri di pubblico e critica: in effetti sono nove episodi ancora più rigorosi e sperimentali, quasi una sfida provocatoria alle formule sonore premiate dal mercato. Il free jazz dell'esordio cede il passo a squarci d'avanguardia e musica concreta: enigmatici inserti vocali su basi di violoncello ("Discorso su due piani"), pianoforte, sax e chitarra che improvvisano su spigolosi tappeti percussivi ("Esserci" e "Accordanza"), echi e risonanze popolari stravolte ("La Bergera"), rumorismo e nastri manipolati ("Con più frequenza"). E' un manifesto sonoro consapevolmente oltre, anzi contro, qualsiasi logica commerciale. Riformati nel 1990, i Dedalus hanno pubblicato un raro disco come "Pia visione" (1997), prima di assumere la denominazione Bonansone Dedalus Group nel 2000 e realizzare in formazione rinnovata l'album "Nomos Apache Alpha" (2004). Ristampe a cura di Vinyl Magic e BTF/Trident.									"Dedalus"
Donella Del Monaco   - Dopo l'esperienza con gli Opus Avantra, la cantante Donella Del Monaco inizia una sua personale ricerca che potremmo definire di frontiera, sempre in bilico tra musica colta (data anche la sua prima formazione lirica) e il repertorio etnico/popolare. Un percorso che sembra allontanarsi dall'ambito strettamente progressive, mentre per altri versi ne rispetta in pieno certe premesse di apertura a ogni tradizione musicale ancora vitale. In questo senso è sorprendente la felicità espressiva di alcuni episodi discografici, come la rivisitazione della tradizione veneziana e veneta. "Merica Merica" (2000) riprende e spesso riadatta canti legati alla massiccia emigrazione oltreceano di fine Ottocento, ma anche quella più tarda verso il nord Europa (vedi la bellissima "Minatore", in stile liederistico), come pure della ricca tradizione contadina, con il contributo di Paolo Troncon e il gruppo Barbapedana. "Venexia de oro" (1999) torna ancora più indietro, pescando nell'enorme patrimonio veneziano che và dal Medioevo al Settecento: si tratta spesso di canti anonimi, cosiddetti da battello, rielaborati con grande rispetto e profonda sensibilità dalla cantante, senza forzature in chiave moderna, ma puntando proprio sulla purezza originaria del repertorio: un esempio è lo struggente "E mi me ne so 'andao", con flauto e violino unici compagni della splendida voce solista. Da notare l'intervento del poeta Andrea Zanzotto che recita la poesia in dialetto "Vecio parlar". Altrove la cantante si è accostata a un repertorio ugualmente di confine: è il caso di "Berio Folk Songs"(1998), dove il suo talento camaleontico può esprimersi a largo raggio passando dalle diverse suggestioni offerte, con il tramite di Berio, da tradizioni come quella francese, armena, siciliana, americana e così via. L'incontro tra il genio di Luciano Berio (un musicista altrettanto aperto e curioso) e l'estro della cantante produce momenti emozionanti, e una musica che per quanto fortemente radicata nel tempo e nella memoria riesce vibrante anche oggi. Non poteva mancare nella ricca discografia di Donella Del Monaco un incontro come quello con il compositore francese Erik Satie: "Chansons Satie" (1997) è uno dei suoi dischi più impegnativi e raffinati. La malinconica leggerezza, l'indolenza sentimentale e irrequieta delle chansons sembrano davvero esaltare l'artista veneta e la sua duttile voce, ben coadiuvata dai due pianisti Massimiliano Damerini (solista) e Attilio Bergamelli (accompagnatore). Sono pure da ricordare i dischi dedicati a Schonberg e infine la bella raccolta di inediti e rarità uscita nel 2002, "Fragments 1975-2002": oltre al resto c'è una chicca per i collezionisti degli Opus Avantra, vale a dire la riproposta in versioni appena ritoccate dei due brani del raro 45 giri "Flowers on pride"/"Allemanda". Altre informazioni sulle molteplici iniziative della cantante sono disponibili nella sua Pagina Facebook.									"Chanson Satie"
Delirium   - Tra i primi gruppi italiani ad uscire dalla fase del beat, i genovesi Delirium, precedentemente conosciuti come Sagittari, ottengono un precoce successo con il singolo "Canto di Osanna" (1971), che li fa notare al primo Festival Pop di Viareggio. Con queste credenziali, i cinque (tastiere, chitarra, basso, batteria, flauto/voce) si presentano quindi all'appuntamento con il primo album: "Dolce acqua" (1971) è indubbiamente un esordio assai intrigante, sviluppato in otto episodi legati da una trama "concept" che si concentra sulle diverse risposte emotive di un uomo alla propria vita. Musicalmente, si tratta di un colorato pop-jazz prevalentemente acustico e spesso melodico: se la chitarra acustica di Mimmo Di Martino è spesso in primo piano, e una sezione d'archi interviene a tratti, nell'insieme spiccano soprattutto il flauto ficcante e il canto del giovanissimo Ivano Fossati. Proprio a lui, che firma tutte le liriche del disco, si devono i momenti più intensi: dal mordente "Movimento I", con piano, flauto e percussioni in evidenza, alla suggestiva "Favola o storia del Lago di Kriss", passando per "Johnnie Sayre", con il testo ispirato da Edgar Lee Masters ("Antologia di Spoon River"), fino alla coda rasserenante di "Dolce acqua". Lo strumentale "To Satchmo, Bird and Other Unforgettable Friends" è invece il brano più esplicitamente jazz dell'album, omaggiando miti come Charlie Parker e Louis Armstrong: il pianoforte di Ettore Vigo e il flauto introducono il tema, ben sostenuto poi dalla briosa sezione ritmica. Fossati lascia i compagni dopo la partecipazione al Festival di Sanremo dell'anno seguente con la celebre "Jesahel", di grandissimo successo commerciale, iniziando in seguito un pregevole percorso solista. Senza di lui, il gruppo realizza comunque "Lo scemo e il villaggio" (1972), disco che si avvale dell'apporto ai fiati (flauto e sax) del nuovo arrivato Martin Grice, valido strumentista inglese. Sia pure con qualche incertezza nelle parti cantate, divise ora tra Mimmo Di Martino e Peppino Di Santo, è ancora un discreto album, con musiche e liriche sempre a carattere concettuale. Spiccano l'apertura strumentale di "Villaggio", con il piano di Ettore Vigo che dialoga con i fiati, e poi "Culto disarmonico", più tesa e spigolosa, ma si segnala anche la morbida progressione di "Dimensione uomo", guidata dal mellotron. Meglio ancora va con "Viaggio negli arcipelaghi del tempo", il terzo disco del 1974, pubblicato per la Fonit Cetra come i precedenti. In questo caso, anzi, certi aspetti jazzati e tipicamente prog si fanno più forti, grazie anche a un migliore affiatamento che si riflette soprattutto nell'organizzazione delle voci: basti pensare alla title-track, dominata dal sax di Grice. Sul piano strumentale si segnalano la nervosa "Fuga n.1", o anche "La battaglia degli eterni piani", col suo fosco e drammatico incedere, mentre la breve "Dio del silenzio", cullata da flauto e chitarra acustica, rimanda agli inizi del gruppo. La band non riesce però a ripetere i risultati commerciali della prima fase e si scioglie nel 1975, dopo alcuni 45 giri. Dopo episodiche reunions senza sbocchi concreti negli anni Novanta, i Delirium si sono riformati intorno a Vigo, Grice e Di Santo, realizzando due nuovi lavori: prima l'eccellente "Live-Vibrazioni notturne" (2007) e quindi un ottimo album di studio come "Il nome del vento" nel 2009, che ne conferma il valore all'insegna di una musicalità sempre raffinata.									"Dolce acqua"
Delivery   - A lungo caduti nell'oblio per mancanza di ristampe fino alle soglie del 2000, i Delivery firmano in realtà uno dei dischi più brillanti usciti a cavallo di Sessanta e Settanta. Si formano a Londra nel 1966 come Bruno's Blues Band, su iniziativa di Phil Miller (chitarra) e suo fratello Steve (pianoforte), insieme al batterista Pip Pyle e al bassista Jack Monck, ma già nel 1968 si unisce al gruppo il sassofonista Lol Coxhill (ufficialmente come ospite), mentre l'anno seguente Monck è rilevato da Roy Babbington e soprattutto arriva la cantante Carol Grimes. La formazione realizza nel 1970 il singolo "Harry Lucky" / "Home Made Ruin" e quindi l'album "Fools Meeting" (), che l'etichetta B&C accredita a "Carol Grimes and Delivery". Otto tracce in bilico tra jazz e blues, con spezie psichedeliche e una voce femminile che non passa inosservata: accostata non a caso a Grace Slick (musa dei Jefferson Airplane) per il timbro potente e drammatico, Grimes aggiunge un indubbio pathos al sound sviluppato da una band che pure mostra un bagaglio espressivo di prim'ordine. Nell'attacco di "Blind To Your Light", dominato dal basso e dal piano, il canto solista è perfettamente a suo agio nella dinamica scansione jazz, tra gli inserti esasperati del sax di Coxhill e cambi di tempo a sorpresa. Il pianoforte e il basso sono l'asse portante di quasi tutti i brani: ad esempio la multiforme "The Wrong Time", con la voce tiratissima, la chitarra elettrica di Phil Miller e il solito lavoro acido e sperimentale di un sax mai pacificato; poi "Fighting It Out", col piano scatenato come la chitarra e una voce dalle mille sfumature; fino alla title-track in coda, che parte lenta e cresce sul canto grintoso e sofferto di Carol Grimes incorniciato a meraviglia da un gruppo in stato di grazia. La cantante si fa valere anche in episodi più vicini al blues e al rock: la lunga "Miserable Man", ad esempio, costruita con grande eleganza sul pianoforte eclettico di Steve Miller, il basso e il sax, che si accende di fremiti improvvisi, e "Home Made Ruin", scandita dalla chitarra ritmica sotto una voce imperiosa, fino a "We Were Satisfied", dove il lavoro chitarristico di Phil lascia il segno. "Is It Really the Same", per concludere, è l'unico strumentale, firmato dal grande Keith Jarrett e dominato dal sax di Coxhill. Il successo non arriva, anche perché il singolo "Harry Lucky" (testo di Alfreda Beinge, compagna di Robert Wyatt) viene censurato dalla BBC per un ammiccamento alla cocaina. Sciolto il gruppo nel 1972 dopo qualche avvicendamento, Carol Grimes incide album da solista e gli altri suonano sotto varie sigle: Coxhill con Kevin Ayers e svariati artisti di area jazz, mentre i fratelli Miller, come Babbington e Pip Pyle, animeranno la migliore scena di Canterbury. La ristampa Cuneiform Records del 1999, con cinque bonus-tracks, è dedicata a Steve Miller, scomparso prematuramente l'anno prima.									"Fools Meeting" "Blind To Your Light"
Dice   - Tra i gruppi di valore emersi dal ribollente calderone del prog settantiano europeo che non hanno avuto il giusto riconoscimento ci sono anche gli svedesi Dice. Stabilizzatasi solo intorno alla metà del decennio, la band di Stoccolma registra nel 1977 una suite interamente strumentale, "The Four Riders of the Apocalypse" (), che all'epoca però resta inedita e vede la luce su disco soltanto nel 1992. Divisa in quattro parti, è comunque un'opera sorprendente, nella quale il quartetto mostra una vena sinfonico-romantica di tutto rispetto sotto la guida di un tastierista talentuoso e ispirato come Leif Larsson. I riferimenti ai capiscuola inglesi sono evidenti (Yes in testa), ma non c'è dubbio che gli svedesi sappiano il fatto loro: da "War" a "Death", si apprezza il virtuoso intreccio di tastiere e chitarre, tra ritmi marziali, cambi di tempo e fascinose tinte classicheggianti, fino alla citazione diretta dei King Crimson di "Larks' Tongues in Aspic" (nel frammento "Dance of the Devils"), che denota preparazione tecnica e notevole eclettismo. Larsson si destreggia abilmente tra organo, piano e mellotron, come in "Fronts", ben sostenuto dalla batteria di Per Andersson e da un chitarrista versatile come Örjan Strandberg, e l'insieme risulta sempre interessante e vivace, anche quando i toni drammatici di episodi come "Battle" sfumano in digressioni venate di malinconia: è il caso di "Disease". In realtà il debutto discografico ufficiale avviene nel 1978, quando "Dice" è pubblicato dalla piccola etichetta Marilla: spicca l'aggiunta di un quinto elemento, il cantante e fiatista Robert Holmin. L'album è composto di cinque tracce, con risultati alterni: eccellente l'iniziale "Alea Iacta Est", episodio fitto di cambi di tempo e guidato al solito dalle ricche tastiere di Larsson, con la discreta presenza vocale di Holmin e la chitarra solista ad effetto, mentre il morbido strumentale "Annika" richiama da vicino le atmosfere classicheggianti dei conterranei Kaipa. Virtuosistica all'eccesso è "Utopian Suntan", che ingloba curiose atmosfere retrò, voce filtrata e spunti rag-time in un insieme che sembra più una dimostrazione di camaleontismo che altro. Meglio "The Venetian Bargain", con inserti raffinati di chitarra acustica e pianoforte, che evolvono nel consueto rock barocco di ottima fattura, anche se il pezzo allunga troppo il brodo. Si chiude con la pregevole suite "Follies", in sei parti, che recupera un certo sinfonismo da manuale, ben diluito tra momenti rarefatti e vigorose riprese, con la voce solista affiancata dai cori e il super lavoro delle tastiere, oltre alla chitarra sempre creativa di Strandberg: ci sono echi e citazioni classiche, tutte ben inserite nel contesto. Dopo lo scioglimento, sono stati pubblicati anche "Live Dice" (1993) e da ultimo "Live 1977" nel 2013. Ristampe a cura della nipponica Belle Antique.									"The Four Riders of the Apocalypse"
Bob Downes   - Noto flautista inglese, per sua stessa ammissione ispirato da Roland Kirk e Severino Gazzelloni, l'eclettico Bob Downes (classe 1937) vanta molteplici esperienze in bilico tra free jazz, avanguardia e progressive. Oltre a svariate collaborazioni, dalla Manfred Mann’s Earth Band a Keith Tippett, nel 1968 Downes forma il suo Open Music Trio, con il quale realizzerà diversi dischi. Il primo è "Open Music" (1970), inciso con una formazione nella quale spiccano il batterista Dennis Smith e il bassista Harry Miller, insieme ad altri fiatisti. Downes suona diversi tipi di flauto, sax tenore e contralto, ma anche percussioni. La lunga "Dream Journey" iniziale, vero cuore del disco, fu composta come musica per la piece "Blind Sight" del Ballet Rambert, presentato a Londra il 27 Novembre 1969. Divisa in due segmenti, è una composizione rarefatta che porta al proscenio il flauto insieme ai timpani di Derek Hogg, prima che entrino in scena il sax e quindi il flauto pirotecnico di Downes nella seconda parte, s'una ritmica jazz scandita dal contrabbasso. Il flauto del leader domina in solitaria tracce come l'evocativa "Birth of Forest", mentre in altri episodi è affiancato da basso e percussioni: si segnala la multiforme "Ghosts In Space", con il contrabbasso di Miller protagonista accanto alle spirali flautistiche. Il free jazz trionfa nella più corposa traccia finale, "Electric City", con Downes stavolta al sax in uno schema aperto che include anche inserti chitarristici di Chris Spedding. Disco interessante, ma sicuramente ostico per il circuito rock, ha il merito di aver fatto conoscere uno strumentista come Downes, poi premiato come miglior flautista jazz. Lo stesso anno l'artista realizza due altri dischi. "Deep Down Heavy" è il più curioso: un autentico reperto dell'underground britannico catturato nei suoi umori più eclettici e spontanei, fino al caos. Dodici tracce dove troviamo tutto, dai versi letti dal poeta Robert Cockburn alle forme musicali più diverse. Si passa dal quasi hard rock di "Too Late" agli acquerelli per il flauto di Downes ("Day Dream"), ma ci sono anche energici funky-jazz col sax in primo piano ("Don't Let Tomorrow Get You Down") e torridi rock-blues ("Got No Home"), fino al delirio lancinante e ossessivo di "Thebes Blues", per sax e chitarre. La produzione è approssimativa, le voci spesso mal calibrate e il suono debordante, eppure l'insieme ha il fascino dei documenti sonori che immortalano un'epoca. Più fruibile e meglio prodotto è invece "Electric City", nel quale Downes mette insieme undici pezzi d'impostazione jazz-rock, a partire da "No Time Like the Present". Davvero splendido il suo flauto in "Keep Off the Grass", episodio di classe al pari di "Dawn Until Dawn", stavolta con il sax protagonista. Oltre ai pezzi cantati da Downes stesso, come "Go Find Time" o la dolce "In Your Eyes", cullata dal flauto e poi rinforzata da trombe e chitarra, il meglio sta proprio nelle tracce strumentali: "Crush Hour" è un affilato jazz-rock urbano, e la chiusura di "Gonna Take a Journey" una jam improvvisata con il basso in evidenza sotto il gioco teso e imprevedibile dei fiati. Nessuno di questi tre dischi ha successo, e Downes si ripropone solo nel 1974 con "Diversions", seguito poi da "Episodes at 4 AM", altro progetto su commissione. Alla fine dei Settanta, il fiatista emigra quindi in Germania dove realizza nuovi dischi. Sempre numerose le sue collaborazioni e i lavori per balletti e opere teatrali. Altre notizie in questo sito. Ristampe Esoteric.									"Electric City"
Dr. Z   - Dietro la sigla si cela il tastierista e cantante Keith Keyes (Keith Morris all'anagrafe), un estroso personaggio della scena inglese che realizza per la Vertigo il concept-album "Three Parts to My Soul" (1971). I testi sono basati sull'idea che l'anima umana è divisa in tre parti principali: Spiritus, volta al bene e alla virtù, Manes, incline al bene ma corruttibile, e infine Umbra, il cui destino è rimanere prigioniera sulla terra. La formazione che suona nell'album è un trio con Keyes alle tastiere, coadiuvato dal batterista Bob Watkins e dal bassista Rob Watson: il risultato è un disco dall'impronta piuttosto severa, dove le tonalità ossessive e martellanti sono l'esatto riflesso dei testi pessimistici del leader. Piano e organo guidano questa sorta di danza tenebrosa intorno al senso dell'esistenza, con un ruolo interessante delle percussioni spesso protagoniste: in particolare nella lunga "Spiritus, Manes et Umbra", il pezzo-chiave della sequenza, con un lungo assolo alla batteria di Watkins. Dal canto suo, Keyes canta con una certa convinzione le proprie liriche, passando dai toni beffardi a quelli più drammatici e aspri, come nell'attacco di "Evil Woman's Mainly Child" (l'anima dilaniata tra la coscienza e il male), riuscendo a esprimere al meglio la tensione morale che domina le composizioni. Poche le eccezioni a questo clima cupo, anche se "Burn in Anger" si apre sulle note più pacate di flauto e pianoforte prima di svilupparsi tra picchi d'intensità e intervalli pensosi s'una voce solista che può ricordare Peter Hammill, e le liriche di "Summer For the Rose" citano il Kyrie Eleison. Tra gli altri brani, marziale e sinistra la progressione di "Too Well Satisfied", ancora con le percussioni e le sincopi del pianoforte in evidenza, mentre nel lungo epilogo di "In a Token of Dispair" la voce rassegnata viene poi suffragata dal toccante coro "Dies Irae" al momento del giudizio finale, con inserti pirotecnici del basso di Rob Watson. Asciutto e privo di sbavature, ma forse un po' monocorde a tratti, "Three Parts to My Soul" si collega in qualche modo al filone esoterico di certo underground più oscuro, con insolito rigore espressivo e accenti più accorati della media e merita senz'altro un ascolto. La raffinata riedizione in CD dell'Akarma include come bonus i due pezzi, stilisticamente molto più briosi, dell'unico singolo del gruppo uscito nel 1970: "Lady Ladybird "/"People In the Street".									"Three Parts to My Soul"
Dragon   - Band neozelandese originaria di Auckland, formata nel 1972 e imperniata sui fratelli Todd e Mark Hunter, rispettivamente basso e voce solista. Il gruppo ha avuto una carriera longeva, ma travagliata e musicalmente divisa in due parti ben distinte: la prima, vissuta in patria, cade chiaramente sotto il segno del progressive rock, come si evince dal disco d'esordio realizzato nel 1974 per la Vertigo, "Universal Radio". Strutturato in sei tracce, l'album è ricco di interesse: un eclettico prog con il basso spesso in primo piano, e la bella voce di Mark Hunter al centro di intriganti trame strumentali, con l'organo spesso protagonista. È il caso della title-track iniziale, con l'uso massiccio delle percussioni in un crescendo atmosferico di buona presa, ma soprattutto di "Patina", una jam sorprendente dai tratti gotici, che procede s'un tema ricorrente dell'organo di Ivan Thompson, ben assecondato dal basso di Todd Hunter in una serie di pause e riprese, tra frequenti spezzature ritmiche, la voce irrequieta, e vivaci spunti di synth e chitarra solista. "Graves" si apre sulle note psichedeliche di synth e organo, inglobando lunghe parti cantate insieme a serrati dialoghi di basso e batteria, fino alla chiusura di "Avalanche", che culmina in un finale di grande pathos con la chitarra in primo piano. Più rifinito è il secondo disco, "Scented Gardens for the Blind" (1975) , realizzato dal medesimo quintetto. Tra le sei tracce che lo compongono, si segnala soprattutto "La Gash Lagoon", con pregevoli armonie vocali incastonate a dovere in uno spartito sempre dinamico, cangiante, che porta alla ribalta la chitarra quasi latina di Ray Goodwin insieme alle tastiere di Thompson. Rispetto al precedente, è un prog più maturo e compatto, che a tratti richiama il tipico flash-rock degli Yes, come nella lunga title-track finale piena di cambi di tempo e tastiere classicheggianti, oppure si distende in lunghe cavalcate guidate da un organo effervescente, coi picchi espressivi del canto e la dimensione ritmica sempre mordente di basso e batteria: è il caso di "Sunburst", un altro pezzo forte della sequenza, che dimostra il perfetto amalgama raggiunto dai cinque. Particolarmente incalzante il ritmo di "Darkness", brano articolato sul fitto fraseggio dell'organo, il basso ficcante e un lungo solo di chitarra nel mezzo che, di nuovo, ricorda lo stile di Carlos Santana. Rimane questo il miglior contributo dei Dragon al progressive rock dei Settanta. Subito dopo, però, la band si trasferisce a Sidney, in Australia, e cambia pelle, abbracciando un pop-rock melodico ben suonato, ma fuori dalle ambizioni dei primi due dischi. Alcuni singoli, e album come "Sunshine" e "Running Free", entrambi del 1977, regalano comunque al gruppo un grande successo commerciale. Tra alti e bassi, e dopo la scomparsa precoce di Mark Hunter nel 1998, la formazione è rimasta attiva con il solo Todd Hunter dei membri storici. Varie le ristampe, come la compilation di Estrella Rockera che riunisce i primi due dischi in un solo CD.									"Scented Gardens for the Blind" "Sunburst"
Druid   - La sfortuna dei Druid, band formata nel 1971 a Berkhamsted, è di non aver raggiunto l'appuntamento discografico 3-4 anni prima, quando il mercato li avrebbe sicuramente premiati. Quando invece esordiscono con "Toward the Sun", nel 1975, il loro progressive melodico e romantico appare inevitabilmente un po' datato. Peccato, perché anche senza far gridare al miracolo il quartetto inglese ha discrete carte da giocare, e i sette brani dell'album si segnalano per una vena morbida, colorata e molto vicina alle atmosfere degli Yes, soprattutto nelle parti vocali, dominate dal falsetto del chitarrista Dane Stevens, quasi un clone di Jon Anderson: "Remembering" ad esempio. Nei passaggi strumentali, come in "Theme", molto mellotron e pianoforte (Andrew McCrorie-Shand), note cristalline di chitarra e gradevoli armonie classicheggianti, in un insieme sempre ben congegnato. Spiccano in questa sequenza l'intimismo rarefatto di "Red Carpet For an Autumn" e soprattutto la più lunga e corposa "Dawn of Evening", che cresce sul mellotron e si ramifica poi con eleganza sul cantato. Nel medesimo organico dell'esordio, il gruppo realizza quindi il secondo e ultimo disco, "Fluid Druid" (1976), che conserva e anzi sviluppa con maggiore convinzione le qualità mostrate all'esordio. La musica offre perciò toni sofisticati e prettamente sinfonici, impreziositi da precisi inserti di chitarra elettrica e dal gioco sempre delicato delle parti vocali. Tra le altre tracce, si fanno notare soprattutto "Painters Clouds", poi "Crusade", con il coro del Royal College of Music a suggestivo supporto, e un bel cambio di tempo sull'organo e le percussioni di Cedric Sharpley nel finale, fino a "Nothing But Morning", dove il canto solista di Stevens è incastonato in un tema rock più mosso, ricco di controtempi. Colpisce anche "Left to Find", un episodio cameristico di squisita fattura: sembra la cifra esatta di questa valida formazione britannica senza troppa gloria, che sicuramente piacerà molto ai patiti del prog più romantico e prezioso. Dopo lo scioglimento avvenuto nel 1977, il batterista Sharpley suonerà nella band Tubeway Army, guidata da Gary Numan. Ristampe a cura di Emi e della Warner giapponese, ma nel 1995 la BGO ha fatto uscire una bella compilation che riunisce i due dischi.									"Fluid Druid"
Duello Madre   - Nel 1973, prodotto da Gian Piero Reverberi, viene realizzato per la Produttori Associati l'album omonimo() di questo quartetto genovese che nasce sulle ceneri degli Osage Tribe. Stavolta, però, l'innesto di un valido fiatista come Pippo Trentin, impegnato tra flauto e sax tenore, sposta l'indirizzo stilistico verso il jazz, seppure bilanciato dalla vivace chitarra solista di Marco Zoccheddu. Con queste premesse, il risultato finale è un disco che offre cinque tracce di free-jazz aggressivo e sufficientemente vario, soprattutto con momenti di grande intensità ritmica: alla batteria c'è Franco Lo Previte, ex Circus 2000, e al basso Bob Callero. In generale, c'è un affiatamento perfetto tra i componenti, che incide positivamente sugli equilibri strumentali: siamo davanti a musicisti di grande preparazione tecnica, e già questo fa la differenza. Tra i picchi della sequenza c'è l'iniziale "Aquile blu", l'unico episodio con parti vocali a cura del chitarrista e un'ottima presenza del basso elettrico di Callero, tra momenti evocativi e ripartenze serrate sul basso e il sax, o anche la più lunga "Madre", dove è lo stesso Reverberi che suona le tastiere, mentre la chitarra elettrica di Zoccheddu svaria con grande eclettismo nello schema dominato dal sax tiratissimo di Trentin. Sono tutti brani notevoli che mostrano l'alto livello del progetto Duello Madre, non premiato purtroppo da pubblico e critica. Tra gli altri episodi, se "Otto" è il pezzo forse più spigoloso della sequenza con la sua ritmica ossessiva tra piccole invenzioni di sax e chitarra, "Momento" ha invece un'anima più rarefatta e articolata sulla chitarra acustica e il flauto, mentre l'epilogo di "Duello" è un episodio a tratti dissonante, ma ricco di scintillanti spazi improvvisativi. Nel complesso, seppure lontani dalle formule più facili e fortunate di quegli anni, i Duello Madre sono indubbiamente tra gli esempi più interessanti e rigorosi che certi esperimenti di fusion abbiano prodotto in Italia. Saranno pochi, quando mischiare il jazz al rock diventerà una moda, a fare musica di questo spessore. Allo scioglimento precoce della band, avvenuto nel 1974, Bob Callero entra subito a far parte del Volo. Ristampato in CD da Mellow Records e BTF, ma anche in vinile da Vinyl Magic.									"Duello Madre"
Dün   - Una formazione francese originaria di Nantes, dove si mette insieme nel 1976. Dopo due sigle come Vegetaline Boufiol e poi Kan-Daar, il nome scelto alla fine è quello che richiama il ciclo di romanzi "Dune" dello scrittore americano di fantascienza Frank Herbert. Schierati a sei, sotto la guida del chitarrista Jean Geeraerts e del flautista Pascal Vandenbulcke, i Dün si dedicano a un'intensa attività live nella regione di Nantes, dove si guadagnano una discreta fama, suonando anche di spalla ai più celebri Magma. Nel 1980 il sassofonista Philippe Portejoie abbandona il gruppo, mentre fa il suo ingresso il percussionista Alain Termolle, e finalmente la band è pronta per registrare il suo primo e unico album "Eros" (), pubblicato in forma autoprodotta nel 1981. Composta di quattro episodi esclusivamente strumentali, la sequenza mostra un ensemble che ha digerito a dovere influenze composite, che spaziano dalla musica totale di Frank Zappa alle sonorità Zeuhl, con riferimenti anche al Canterbury più raffinato e in generale a una concezione aperta del suono. Naturalmente questo eclettismo è reso possibile dal grande bagaglio tecnico dei singoli musicisti, alcuni dei quali sono vere colonne portanti del disco: il flauto di Vandenbulcke, ad esempio, è protagonista fin dall'iniziale "L'épice", insieme al gran lavoro delle percussioni e del synth di Bruno Sabathe, con inserti tiratissimi di chitarra. È musica cerebrale e sicuramente impegnativa, che però intriga nelle spirali di uno spartito imprevedibile, mai di maniera. Il flauto domina insieme al pianoforte anche in "Arrakis", dove si conferma la natura astratta dell'ispirazione che sorregge il gruppo, con agili cambi di tempo e la nervosa chitarra solista di Geeraerts protagonista dei momenti più serrati, con il vibrafono e la batteria di Laurent Bertaud in buona evidenza nel finale. Davvero leggiadro, eppure mai stucchevole, il flauto di Vandenbulcke è l'anima della stessa title-track posta in coda, che scorre irrequieta tra percussioni irregolari in una fitta rete di suoni congegnata ad arte, con spazi d'improvvisazione e piccole invenzioni dei solisti, specie il synth, che però non eccedono mai una certa misura, una caratteristica tendenza a creare atmosfere originali, lontane dalle formule più ovvie. È la stessa qualità che si apprezza in "Bitonio", con il ritmo sincopato dettato da pianoforte e flauto, di concerto con la chitarra elettrica, in uno schema mutevole e cangiante che oscilla tra breaks ritmici graffiati ancora dal synth e vuoti improvvisi. Eccellenza tecnica e capacità improvvisativa convivono brillantemente in questo disco a tratti ostico, eppure tra i più interessanti apparsi sulla scena del prog francese. In mancanza di riscontri, la band si separa all'inizio del 1983: il più attivo resta Vandenbulcke, che collabora con diversi artisti e frequenta soprattutto il jazz. Ristampe in CD e vinile di Soleil Zeuhl.									"Eros"